Na počest zahájení výstavy Henryho Moora v Moskvě sestavil Afisha průvodce po nejslavnějších sochařích a předmětech posledních 30 let: od Tinguelyho po Kapoora, od dinosaurů v Číně po klystýr v Železnovodsku, od Velké hospodářské krize Památník k pomníku severokorejských vůdců.
Veřejné umění
Henry Moore
Mnohatunový motýl významem a velikostí díla největšího modernistického sochaře byl instalován rok po jeho smrti. Je považováno za poslední Mooreovo dílo a Berlín jej koupil od sochařových dědiců za 3,5 milionu marek na výzdobu fontány před Domem světových kultur – ukázalo se tedy, že jde o jedno z nejdražších děl, jaké kdy město kdy zažilo. poskytnuto.
Můžete to považovat za poctu mistrovi na rozloučenou – v 1960. letech byla Moorova dílna prakticky monopolem na výrobu abstraktních idolů pro muzea a instituce, Moorovy obrazy ve tvaru lůna a matky po dlouhou dobu sloužily jako univerzální jednotky pro označení „ kultura“ a „humanistické hodnoty“, jimiž se zdobili navenek seberespektující západní instituci. Ale v 1980. letech začala jménem kultury a hodnot mluvit úplně jiná díla.
Nyní „The Archer“, jedna z mnoha zakázek, které Moore pro veřejné prostory dokončil, vypadá diskrétně a povědomě. Modernistické formy jsou tak neutralizované, že jejich síla a váha nepůsobí téměř žádným dojmem – je těžké uvěřit, že se kolem sochy při jejím odhalení v roce 1966 shromáždily davy nadšených diváků.
Robert Indiana
Robert Indiana je v podstatě umělec s jedním zaměstnáním. Jeho „Love“ je dokonalá ikona pop artu, hloupě jednoduché dílo o jediné věci, která každého opravdu zajímá. Čtyřpísmenná konfigurace, která byla vynalezena jako vánoční přání pro New York MoMA, byla o rok později převedena do objemu a vyrobena v sochu. Jeden z nich (1970) je v Indianapolis Museum of Art, další replika, novější, je v New Yorku a je těžké odhadnout, kolik jich je po světě. Indianova tvorba plodí obrovské množství remaků, existují například verze “Lust”, “Rage” a dokonce “Goggle” (od samotného Indiany). V roce 2012 to dohnala i Moskva: umělec Sergej Bratkov, který se v poslední době zajímá o reflektování trendů v dějinách umění, vytvořil vlastní verzi pro Gorkého park: jeho socha se skládá z písmen G, O, R, b, K, O.
Jean Tinguely
Fontána v Basileji je ve své nejlepší podobě Tinguely, deset elegantních černých zařízení, z nichž každé je vybaveno specifickou mechanikou pro rozstřikování vody. Všichni dohromady měli připomínat mumraje z basilejského karnevalu. Vášeň nového realisty a hlavní hvězdy kinetického umění Jeana Tinguelyho pro pohyblivá zařízení se ukázala jako užitečná pro vytváření kuriózních objektů na čerstvém vzduchu: po zhlédnutí fontány v Basileji se tehdejší starosta Paříže Jacques Chirac rozhodl svěřit sochař s návrhem prostoru před Centrem Pompidou. Od roku 1937 v Paříži žádné fontány nebyly a Stravinského fontána byla jednou z prvních ze série určené k revitalizaci náměstí. Tinguely pracoval ve spolupráci se svou ženou, sochařkou Niki Saint Phalle: od ní fontána obdržela pestré karikaturně-surrealistické snímky a od něj – bizarně se pohybující mechanismy.
Jean Tinguely. Fontána “Stravinsky” v Centre Georges Pompidou (spoluautorem s Niki de Saint Phalle). Paříž, 1982
Niki de Saint Phalle
De Saint Phalle je něco jako Gaudi druhého nalít. Stejně pestré, atraktivní a zábavné – ovšem v kontextu své doby, s nádechem pop-artu i surrealismu zároveň. Taková směs stylů, znásobená kreslenou radostí z barev, s esoterickým pozadím, nemůže neuchvátit nenáročné poutníky uměním, pro které je její Tarotová zahrada v krásném Toskánsku skutečnou Mekkou, rovnající se atraktivitou Dalího muzeu ve Figueres. Od konce 1970. let až do své smrti v roce 2002 zalidnila tuto zahradu postavami z tarotové paluby. „The Magic Circle of Queen Califia“ v Kalifornii je další parkový soubor plný mozaikových postaviček od Niki de Saint Phalle: důkaz, že pomocí rozbitých dlaždic lze vytvořit zázraky. Pokušitelští hadi, totemické postavy a další symbolické odpadky. Královna Califia, vládkyně zahrady, stojící na hřbetě pětinohého orla uprostřed parku, pravděpodobně obsahuje narážku na autora.
Claes Oldenburg
Claes Oldenburg, klíčová postava pop-artu, se na počátku 1960. let proslavil svými poněkud odpudivými předměty vyrobenými z papír-mâché a měkkého plátna: jeho slavná „Měkká toaleta“, „Měkký popelník“ a další předměty pro domácnost byly divoké a krásné. forma kritiky materialismu v právě vznikající konzumní společnosti. Nyní si Claes Oldenburg zaslouženě užívá statusu živé ikony: hrnou se na něj (a na jeho spoluautora Kuzi van Bruggena) zakázky na gigantické veřejné předměty. Ještě v roce 1969 vyrobil obří rtěnku na tankodromy – stala se symbolem osvobození a protestu, ale postupem času Oldenburg přešel k věcem, které spíše připomínaly americkou atrakci u silnice, jen vyrobené s větší fantazií. Jeho „Broken Button“, instalovaný na nádvoří Pensylvánské univerzity, jasně naznačoval začátek éry veřejného umění zásadně odlišného od strohých časů Henryho Moora. Tlačítko udělalo velký dojem na Jorgeho Luise Borgese, který ho viděl (ačkoli byl v té době již prakticky slepý).
Představy a očekávání spojené se sochařstvím nebyly ani v XNUMX. století dostatečně revidovány. A v masovém vědomí, když se vybaví slovo „socha“, se vybaví socha Davida nebo něco podobného. I vzhled hotových předmětů a absence sochařů zabývajících se tesáním, odléváním nebo tesáním z kamene situaci změnila jen málo. Pojďme se tedy podívat, co dělají moderní sochaři?
Umělci konce XNUMX. a počátku XNUMX. století své aktivity dlouhodobě stavěli do protikladu nejen se sochařstvím a readymades, ale také s minimalismem v podobě Donald Judd, post minimalismus Eva Hesseová a konceptualismus Hans Haake.
Sochaři nové generace jako např Isa Gerntschen, Thomas Hirschhorn, Carol Bove, Tom Burr a Rachel Harrison Přešli od monolitických forem a minimalistické struktury ke kombinacím a kombinacím objektů, textur a obrázků. Kombinují dostupné spotřební zboží a dokonce i průmyslový odpad a vytvářejí své objekty technikou asambláže.
Shromáždění – výtvarná technika související s koláží, ale využívající trojrozměrné detaily nebo celé předměty uspořádané v rovině jako obrázek. Umožňuje umělecké doplňky s barvami, stejně jako kov, dřevo, tkaniny a další struktury.
Vnímání sochařství dnes určuje především reklama, mediální design a technologie. A jestliže v modernismu bylo sochařství vždy proti zboží, jako něco věčného ve srovnání s rychle se měnícím a chátrajícím, pak dnes můžeme mluvit o takovém konceptu jako „komoditní socha“ (Hal Foster).
“Celý život společností, v nichž dominují moderní výrobní podmínky, se jeví jako nesmírná akumulace výkonů.”
Současné sochařství se tomu snaží vzdorovat, jako by soutěžilo s fotografickým zprostředkováním „představení“. Například, Isa Genzken používá fotografickou dokumentaci spolu s předmětovými produkty a dokonce jako její ekvivalent. Monolitické formy soch jsou nahrazovány téměř nekonečnými kombinacemi a kombinacemi objektů, textur a obrazů.
Tom Burr překonfiguruje prostředí dob minimalismu a začlení stará sedadla v kině se žvýkačkou na spodní straně do minimalistické kostky. Neutrálnost sochy je tedy narušena hrubým jazykem. Na všech sochách (na fotce dole) vidíme, jak masová kultura proniká do „věčného“ umění a vrací nás do reality masmédií.
Noví sochaři často organizují své dílo jako soubor předmětů, jejichž kombinace se často jeví jako výsledek čiré náhody. Uchylují se k technikám, které se tradičně nepoužívaly: aranžmá, dekorace. Sochařská forma se otevírá takovým oblastem, jako je design a móda.
Carol Bove aranžuje předměty na způsob designérky, hospodyně nebo kurátora muzea. Síla a stabilita sochy se vyrovnává, z „věčnosti“ se socha přesouvá do sféry něčeho dočasného a odsouzeného k zániku.
Rachel Harrisonová s ironií odkazuje na snahy moderních sochařů dát svým objektům kritickou funkci. Z jejího pohledu je takový odpor komický a nemožný. Jen není jasné, co je v její práci? Plné uznání, že socha nové generace ztratila veškerý kritický náboj? Potřebujete reakci publika, je potřeba dialog? Stala se socha sama o sobě předmětem konzumu a v žádném případě se jí nestaví?
Mnoho děl současných umělců obsahuje figuríny. Tyto průmyslové sochy si spojujeme přímo s vystavením zboží, ale když se objeví v muzeu, stírají bariéry mezi ním a obchodem.
To, že zhroucení hranic je nevyhnutelné, předpovídali i o Duchamp na „Surrealistická výstava v Paříži“ 1938 rok.
Nic neodhalilo zhoubnost „výzev k pořádku“ (které se ukázaly být spolupachateli fašismu) více než umístění figurín. Síněmi se rozléhaly zvuky německých pochodů a z pytlů pod stropem se valil černý prach.
To poukazovalo na dosud nemyslitelnou reifikaci, na nemožnost zachování rozlišení mezi subjektem a objektem.
Tato kombinace objektu a subjektu je vidět v dílech Isa Genzken. Hranice mezi člověkem a produktem se v moderním světě stále více stírají. Takové sochy figurín se umisťují na průsečík módy a neustálého konzumu, kde už není jasné, co se prodává a co se kupuje. Člověk, socha nebo jen módní oblečení (produkt)?
